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MÚSICOS DE ROCK COMO MEDIUMS O CANALIZADORES
TRADUCIDO AUTOMÁTICAMENTE DEL INGLÉS
Ampliado 13 de junio 2013
(Publicado por primera vez 16 de junio 2001) (David Cloud, Fundamental Servicio de Información Bautista, PO Box 610368, Port Huron, MI 48061, 866-295-4143, fbns@wayoflife.org, para obtener instrucciones sobre la suscripción y darse de baja o cambiar direcciones, consulte la información en el párrafo final del artículo) –
En los siguientes enunciados, músicos de rock describen un poder externo que se ha hecho cargo de ellos, mientras que la escritura y la realización de la música rock. Como se trata de personas que no conocen a Jesucristo como Señor y Salvador, la fuente de su influencia debe ser la que se describe en Efesios:
«Que en otro tiempo anduvisteis conforme á la condición de este mundo, conforme al príncipe de la potestad del aire, el espíritu que ahora opera en los hijos de desobediencia, entre los cuales también todos nosotros vivimos en otro tiempo en el deseos de nuestra carne, haciendo la voluntad de la carne y de los pensamientos, y éramos por naturaleza hijos de ira, lo mismo que los demás «(Efesios 2:2-3).
La novia de JIMI HENDRIX, Fayne Pridgon, dijo: «Él solía hablar siempre de algún demonio o algo había en él, ya sabes. No sabía lo que le hizo actuar de la forma en que actuó y lo que le hizo decir las cosas que dijo, y las canciones y otras cosas por el estilo … acaba de salir de él. Me parece que estaba tan atormentado y solo desgarrado y como él realmente estaba obsesionado, ya sabes, con algo realmente mal «(banda sonora de la película de Jimi Hendrix, entrevista con Fayne Pridgon, parte 4, citado por el latido del corazón del dragón, . p 50).
Robert Plant y Jimmy Page de Led Zeppelin ambos dicen que no saben quién escribió su canción ocultista Escalera al Cielo. Plant declaró: «Pagey había escrito los acordes y los jugado para mí. Que sostenía el papel y lápiz, y por alguna razón, estaba de muy mal humor. Entonces de repente mi mano estaba escribiendo las palabras. … Me quedé allí sentado y miraba las palabras y luego casi salté de mi asiento «(Robert Plant, citado por Stephen Davis, Hammer of the Gods, p. 164).
Pete Townshend de The Who dice que él comenzó a actuar como un medio para la música cuando aprendió a tocar la armónica como un niño. «Me perdí en el sonido de la armónica, y luego tuvo la más extraordinaria experiencia que cambia la vida. De repente estaba escuchando música dentro de la música – rica belleza armónica y compleja que se había encerrado en los sonidos que había estado haciendo. Al día siguiente fui a pescar con mosca, y esta vez el murmullo del río abrió un manantial de música tan enorme que me caí y salir de un trance. Fue el comienzo de mi conexión permanente a la … lo que podría describirse como la música de las esferas. … Un día me encontré con algunos acordes que hicieron que me mareo.
Como les tocaba mi cuerpo zumbaba por todas partes, y la cabeza llena de los más complejos música orquestal, inquietante. … Tuve la posibilidad de crear música alfa-estado en mi cabeza, entrar en trance creativo, tener visiones musicales … Dado que gran parte de esta música brotaba de urgencia de mi subconsciente, me quedo para interpretar mucho como cualquier otra persona «(Townshend, Who I Am: A Memoir, HarperCollins, 2012, páginas 41, 46, 62, 145) .
«Al final, usted tiene que mirar a una canción y no saber exactamente de dónde vino» (BRUCE springstein, Dateline, 14 de diciembre, 1998).
«Siempre he considerado que había una manera donde hemos sido capaces de canalizar la energía, y esa energía era capaz de ser, de otra fuente, si se quiere, como un poder superior o algo así, que estaba haciendo el trabajo. A menudo he pensado de nosotros acaba de ser realidad sólo los seres de la tierra que han jugado la música porque era extraña. Parte de esta música salió muy extraña «(BILL WARD DE NEGRO SABBATH, citada en el Negro Sabbath Una Historia Oral, p. 7).
«Es increíble, porque a veces, cuando estamos en el escenario, me siento como si alguien acaba de mover las piezas. … Sólo voy, «Dios, no tenemos ningún control sobre esto.» Y eso es magia «(Stevie Nicks DE Fleetwood Mac, circo, 14 de abril 1971).
Angus Young, guitarrista de AC-DC, se llama el «demonio de la guitarra», y admitió que algo se hace con la banda durante sus conciertos: «… es como si estuviera en piloto automático. Por el momento estamos a la mitad del primer número de otra persona me está dirigiendo. Estoy en el viaje. Me convierto poseía cuando llegue al escenario «(Hit Parader, julio de 1985, pág. 60).
«Recibimos nuestras canciones de inspiración, como en una sesión de espiritismo» (KEITH RICHARDS DE LOS ROLLING STONES, Rolling Stone, 5 de mayo de 1977, p. 55).
Keith Richards dijo que recibió el riff de apertura de la canción malvados «I Cant Get No Satisfaction» en un sueño. Se levantó y cantó en una grabadora.
«Me dirigí y mandé por otra potencia. El poder de las tinieblas … que existe una gran cantidad de personas que no creen. El poder del diablo. Satanás «(Little Richard, citado por Charles White, La vida y obra de Little Richard, p. 206).
«No se puede describir [tocando música de rock], excepto para decir que es como una energía misteriosa que viene desde el plano metafísico y en mi cuerpo. Es casi como ser un medio …. «(MARC STORACE, vocalista de la banda de heavy metal KROKUS, Circo, 31 de enero de 1984, p. 70).
«Ellos [THE BEATLES] eran como medios. No eran conscientes de todo lo que decían, pero que iba a venir a través de ellos «(YOKO ONO, las entrevistas Playboy con John Lennon y Yoko Ono, Berkeley, 1982, p. 106.).
Del álbum Rain de los Beatles, que contó con una de las primeras instancias de grabación hacia atrás, dijo RINGO STARR, «me siento como si esa era otra persona jugando. Yo estaba poseído «(» Rain «, la revista Rolling Stone, 9 de diciembre, 2004).
«[De su música JOHN LENNON dijo]» Es como estar poseído: al igual que un psíquico o médium «(Las entrevistas Playboy, en la página 203.).
«Es increíble que [la melodía de» In My Life ‘] sólo vino a mí en un sueño. Es por eso que yo no pretendo saber nada. Creo que la música es muy místico «(JOHN LENNON, citado en» The Beatles Come Together «, Reader ‘s Digest, marzo de 2001).
«Me sentí como un templo hueco lleno de muchos espíritus, cada uno pasa a través de mí, cada uno me habita un poco de tiempo y luego dejar que ser sustituido por otro» (JOHN LENNON, Gente, 22 de agosto de 1988, p. 70) .
«Cuando la música de verdad viene a mí, no tiene nada que ver conmigo porque soy sólo un canal. Se ha dado a mí y yo transcribo ella «(JOHN LENNON, citado por Mickey Hart, Espíritu al sonido:. La magia de la música, p 134).
«La música de ‘Yesterday’ llegó en un sueño. La canción acaba completo. Tienes que creer en la magia. No puedo leer ni escribir música «(PAUL MCCARTNEY, entrevista en el programa Larry King Live, CNN, 12 de junio de 2001).
«Me despierto de un sueño y me voy ‘Wow, poner esto en un papel,» todo esto es extraño. Se oye las palabras, todo está ahí, delante de su cara. Creo que en algún lugar, en algún lugar que se ha hecho y yo sólo soy un mensajero que entre en el mundo «(MICHAEL JACKSON, Rolling Stone, febrero 17, 1983).
«Cuando llegué a la etapa es de repente una» magia «de alguna parte que viene y el espíritu sólo te golpea, y que acaba de perder el control de sí mismo» (MICHAEL JACKSON, Teen Beat: Un tributo a Michael Jackson, Verano 1984, . p 27).
«Muchas de las canciones fueron escritas en 15-30 minutos, muy corriente de la conciencia, como si se está canalizando a través de nosotros» (Alanis Morissette, citado Infiernos Bells2 por Eric Holmberg).
«Cuando el chamán siberiano se prepara para entrar en trance, todos los aldeanos se reúnen … y jugar todos los instrumentos que tienen que mandarlo [en trance y posesión]. … Era la misma manera con las puertas cuando jugamos en concierto … Creo que nuestra experiencia de la droga vamos a entrar en ella … [El estado de trance] más rápido …. Era como Jim [Morrison] era un chamán eléctrico y estábamos banda del chamán eléctrico, machacando a sus espaldas. A veces no se sentiría como entrar en el estado, pero la banda seguiría golpeando y golpeando, y poco a poco se lo llevaría de nuevo. Dios, podría enviar una descarga eléctrica a través de él con el órgano. John pudo hacerlo con sus toques de tambor «(PUERTAS tecladista Ray Manzarek citado por Jerry Hopkins y Daniel Sugerman, aquí nadie sale de vivo, pp 158-60).
«Esa cierta sensación que me pasó a lo grande a menudo con el primer King Crimson. Cosas asombrosas sucederían – Quiero decir, la telepatía, cualidades de la energía, cosas que nunca había experimentado antes con música … no se puede decir si la música está jugando el músico o el músico está tocando la música «(Robert Fripp, guitarrista de KING CRIMSON, Down Beat, junio 1985, p. 61).
«Creo que la inspiración viene a través de mí y que yo canalizo» (JIM KERR, SIMPLE MINDS, citado por Steve Turner, Hambre de Heaven, p. 147).
John McLaughlin, líder de MAHAVISHNU ORCHESTRA, declaró: «Una noche estábamos jugando y de repente el espíritu entró en mí, y yo estaba jugando, pero ya no me juego» (El Informe Roca, p 58.).
GLEN TIPTON de JUDAS PRIEST, dice: «Acabo de volver loco cuando voy en el escenario … es como si alguien se apodera de mi cuerpo» (Hit Parader, otoño 1984, p. 6).
En 1974, Joni Mitchell dijo a la prensa de un espíritu masculino que le ayuda a escribir música. «Joni Mitchell atribuye sus poderes creativos para una» musa masculina «se identifica como arte. Ha tenido tanto control no sólo de su música, pero su vida, que se siente casada con él, ya menudo vaga desnuda con él en su 40 hectáreas de terreno. Su dominio sobre ella es tan fuerte que ella se excusaba de los partidos y los amantes siempre que abandones ‘llamadas’ «(¿Por qué Toc Rock? P. 112, citando a la revista Time, 16 de diciembre de 1974, p. 39).
Ginger Baker, baterista de la popular banda de CREAM 60, dijo: «Se nos pasa muy a menudo – se siente como si yo no estoy jugando mi instrumento, algo más está jugando y que lo mismo está jugando los tres de nuestra instrumentos. Eso es lo que quiero decir cuando digo que es a veces aterrador. Tal vez todos vamos a jugar la misma frase de la nada. Sucede muy a menudo con nosotros «(Bob Larson, el rock y la Iglesia, p. 66).
JOE COCKER, que contorsiona grotescamente durante sus actuaciones, afirma que algo «se apodera» él cuando canta rock & roll (revista Time, citado por Bob Larson, del rock y de la Iglesia, p. 66).
«Cuando estoy cantando y en contacto con la energía que estoy generando, a veces literalmente, no tengo conocimiento de donde estoy. El ego desaparece, y ya mí lo que me rodea con ella. … Esa es la razón por la que estoy en la música – para lograr esa sensación «(DARYL OATES de Hall and Oates, entrevista con Timothy White, 1987, Vives Roca, 592 p.).
La grabación original de «I Put a Spell on You» fue hecho después de la SCREAMIN ‘JAY HAWKINS y sus miembros de la banda se emborrachó y «algún tipo de presencia parecía apoderarse de él.» Comenzó «gruñidos, gruñidos, gritos, gorgoteo en extrañas lenguas desconocidas y bailando salvajemente alrededor del estudio «(Heartbeat of the Dragon, p. 40).
«Roca siempre ha sido la música del diablo, no puede convencerme de que no lo es. Sinceramente, creo que todo lo que he dicho-Creo que el rock and roll es peligroso. … Siento que sólo estamos anunciando algo aún más oscuro que nosotros mismos «(DAVID BOWIE, Rolling Stone, 12 de Febrero de 1976, p. 83).
«[CARLOS] SANTANA mantiene un bloc útil para grabar la música cuando se trata de él» al igual que una máquina de fax «(Rolling Stone, 16 de marzo de 2000, p. 41).
«Realmente me gustaría saber por qué lo he hecho algunas de las cosas que he hecho en los últimos años. No sé si soy un medio de alguna fuente externa. Lo que es, francamente, espero que no sea lo que yo creo que es, Satanás «(OZZY OSBOURNE, Hit Parader, febrero de 1978, pág. 24).
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LOS GRANDES MÚSICOS JUDÍOS EN LA HISTORIA
Fuente:http://grandesmusicosjudios.blogspot.com/
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Los ideólogos Nazis sometieron la música a principios racistas, atacando de esa manera a la música atonal, el jazz y todas las obras de los músicos judíos. Es curioso observar que en los siglos XIX y XX una gran parte de los grandes nombres de la música occidental han sido judíos.
Giacomo Meyerbeer
Alemania 1791- París, Francia 1864. Su nombre verdadero era Yaakov Liebmann Beer. Judío observante.
De 1826 a 1842 residió en París y fue el mayor representante de la «grand-opéra» francesa.
Entre 1840 y fin de siglo Meyerbeer fue una potencia mundial en música, con cifras astronómicas de representaciones. Creador del melodrama musical romántico. Desde 1842 Director General de Música en Berlín.
Marsillach calificó a Meyerbeer, junto a Weber y el mismo Wagner, como un «genio inmenso» y el «depositario y continuador de la tradición de Mozart, Beethoven y Gluck».
Obra destacada: Les Huguenots (1836, su obra más conocida. Ópera en cinco actos que alcanzó un éxito inmediato. Culmina con la histórica «Masacre del Día de San Bartolomé», 1572, cuando miles de protestantes franceses -hugonotes- fueron asesinados por los católicos romanos en su esfuerzo por librar a Francia de la influencia protestante), El Profeta (1849), L´Africaine (1865).
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Johann Strauss I (padre)
Viena 1804-1849. Su padre era judío, pero se convirtió al catolicismo.
Obra destacada: Marcha Radetzky (la más conocida de todas las marchas, cierra tradicionalmente el concierto vienés de Año Nuevo) , y el vals: Lorelei Rhine Klänge (Galop de las carreras) .
Johann Strauss II (hijo)
Viena 1825-1899. Por culpa de que el divorcio no era posible en la católica Austria, para volver a casarse se convirtió al protestantismo y adquirió la ciudadanía alemana en Sajonia-Coburgo-Gotha.
Fue conocido en su vida como «el rey del vals» y fue en gran medida el responsable de la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX.
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Obra destacada: El Danubio Azul (estrenado en 1867 y, a día de hoy, considerado como sinónimo del vals por antonomasia), El Murciélago (1874, la opereta más representada de todos los tiempos a nivel internacional), Rosas del Sur (Rosen aus dem süden, op. 388. 1878, vals).
Jacques Offenbach
Francia, 1819-1880. Nombre auténtico: Jacob Ebers. En 1844 se convirtió al catolicismo a fin de poder casarse con la española Herminia de Alcain.
Obra destacada: Orfeo en los infiernos (con su famoso «can-can») y Los cuentos de Hoffmann (con su famosa «barcarola»).
Félix Mendelssohn
Alemania, 1809-1847. Nombre auténtico: Jakob Ludwig Félix Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn. En su infancia toda su familia se convirtió al protestantismo para evitar el antisemitismo.
En 1829 redescubrió a Bach para el gran público al ejecutar, por primera vez desde la muerte del maestro, la Pasión según San Mateo.
Obra destacada: El Sueño de una noche de verano (Música para la obra de Shakespeare, con la famosa «Marcha Nupcial»), Las Hébridas, Sinfonía Italiana, Sinfonía Escocesa.
Jacques Halévy
Francia 1799-1862. Su verdadero nombre era Élie Lévy. Judío observante.
Escribió su ópera Clari para la célebre cantante María Malibrán, segunda hija del famosísimo tenor español Manuel García.
Desde 1833 fue profesor de contrapunto y fuga del Conservatorio de París y en 1840 obtuvo la cátedra de composición. Desde 1857 ocupó el cargo de Secretario Vitalicio de la Academia de Bellas Artes de Francia.
Obra destacada: La Juive (1835, ópera en cinco actos, una de las más representativas del género de la «grand-opéra» francesa), Le guitarrero (1841, París).
Anton Rubinstein
Rusia, 1829-1894. Pianista, compositor y director de orquesta ruso.
Se encuentra entre los grandes virtuosos del piano, en su momento fue rival de Franz Liszt. Fundó el Conservatorio de San Petersburgo (1862), donde fue catedrático y director. Su hermano, Nikolai Rubinstein, fundó el Conservatorio de Moscú (donde empieza a trabajar un joven Tchaikovsky). Los dos hermanos fueron muy criticados por el grupo de los Cinco rusos (en su mayoría autodidactas: Balakirev, Rimski-Korsakov, Borodin, Mussorgsky, Cui), acusándolos de occidentalizados.
Obra destacada: Melodía en fa (1859, pequeña pieza para piano), Kamennoi Ostrow (1859, pequeña pieza para piano), Las canciones de Persia (ciclo musical), El Demonio (ópera).
Gustav Mahler
Kaliste, Bohemia (actual República Checa) 1860, Viena (Austria) 1911. Judío agnóstico por convicción, se convirtió al catolicismo en 1897 para poder acceder al puesto de maestro de capilla de la Ópera de la Corte de Viena.
Considerado como uno de los más grandes y originales sinfonistas que ha dado la historia del género. Le caracterizó el empleo de una armonía disonante que iba más allá del cromatismo utilizado por Wagner en su Tristán e Isolda. Su obra anuncia el desarrollo del arte musical a lo largo del siglo XX. Precursor de la «Segunda Escuela de Viena».
Obra destacada: Sus nueve sinfonías terminadas y una décima incompleta; ciclos de canciones Kindertotenlieder (Canciones de los niños muertos), Das Lied von der Erde (La canción de la Tierra).
Arnold Schönberg
Viena, Austria 1874 Los Ángeles, EEUU 1951. Se convirtió al protestantismo de joven, pero regresó al judaísmo en 1933.
Para muchos, con permiso del ruso Igor Stravinsky, el compositor más influyente del siglo XX. Figura clave, junto con Monteverdi, Bach, Beethoven y Wagner en la evolución de la música académica occidental. Pionero de la atonalidad en la primera década del siglo XX y creador del sistema dodecafónico en los años 20 del mismo siglo. Fundador de la Segunda Escuela de Viena, de la que también formaron parte sus dos alumnos Anton Webern y Alban Berg, que ocupan un lugar de privilegio en la historia de la música, al igual que John Cage, que fue también su alumno en California. En 1911 publicó su célebre Tratado de Armonía y en 1925 sustituyó a Busoni como profesor de composición en la Academia de Artes de Berlín, hasta que en 1933 huyó a Estados Unidos por culpa del nazismo; allí, entre otros, trabajó como profesor en la Universidad de California.
Obra destacada: Pierrot Lunaire (1912. Emblema de la estética expresionista, con la innovación del «Sprechtimme», voz hablada-cantada), La escalera de Jacob (1922), Suite op. 25 para piano (1921-23), Variaciones para orquesta op. 31 (1926-28, dodecafónica), la ópera Moisés y Aarón (incompleta, 1932).
Jerome Kern
Nueva York, 1885 1945. Nombre completo: Jerome David Kern. En 1925 conoció a Oscar Hammerstein II, con quien tuvo una amistad de por vida. Su carrera en Hollywood fue bastante exitosa y destacó por sus musicales para Broadway.
Obra destacada: Look for the Silver living (1920, musical), Show Boat (1927, con Oscar Hammerstein II. Incluye la conocida canción «Old Man River»), Roberta (1933, musical. Incluye «Smoke gets in your eyes» y «Yesterdays», convertidas en grandes standars de jazz), The way you look tonight (Premio Oscar a la mejor canción en 1936), The last time I saw *City*placeParis** (1941, junto a Oscar Hammerstein II. Incluida en la película «Lady be good», Oscar a la mejor canción).
Irving Berlin
Rusia 1888 1989. Nombre auténtico Israel Isidore Baline. Su padre fue un rabino que consiguió trabajo como certificador de carne siguiendo la ley kosher. Fue uno de los pocos compositores de «Tin Pan Alley / Broadway» que escribieron tanto la letra como la música de sus canciones. En 1968 fue galardonado con el Premio Grammy a los logros de toda una carrera.
Obra destacada: Alexander´s Ragtime Band (1911, lo catapultó como una de las más importantes estrellas de Tin Pan Alley), God Bless América (1917, se hizo tan popular que se sugirió que podría llegar a ser el Himno Nacional de Estados Unidos. Hasta hoy ha permanecido como una de las canciones más populares de E.E.U.U.), Blue Skies (un éxito desde 1926, fue interpretada en la primera película hablada: «The Jazz Singer»), White Christmas (1942, una de las canciones más grabadas de la historia. Oscar a la mejor música), Annie get your gun (1946, musical de Broadway producido por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II).
Mario Castelnuovo Tedesco
Toscana-Florencia, Italia 1895- Los Ángeles, EEUU 1968. Descendiente de una familia de judíos sefarditas expulsados de España-Sefarad en 1492. Su herencia judía, la Biblia y la liturgia judía siempre fueron una gran inspiración para él, así como William Shakespeare.
En 1932, tras conocer a Andrés Segovia, comenzó a escribir para guitarra inspirado por el gran maestro español.
En 1939, por culpa del racismo contra los judíos en los régimenes de Hitler y Mussolini, emigró a los Estados Unidos. Contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer como compositor de música para cine (contribuyendo en más de 200 películas), fue profesor de Henry Mancini (La Pantera Rosa, Dos en la Carretera…) y John Williams (La Guerra de las Galaxias, Superman, E.T., La lista de Schindler…).
Obra destacada: La Mandrágora (1924, ópera de Maquiavelo), Concierto para violín nº 2 (1931, una expresión de su orgullo por su origen judío), Capricho Diabólico op. 85 (1935. Para guitarra. Homenaje a Paganini), Tarantela (1936. Para guitarra), Concerto op. 99 para guitarra y orquesta (1939. El segundo movimiento: «Romanza», es sin duda una de las piezas más hermosas del repertorio de guitarra).
Oscar Hammerstein II
Nueva York, 1895 1960. Sobrino del empresario de ópera norteamericano de origen alemán Oscar Hammerstein I, propietario del Manhattan Opera House.
Probablemente contribuyó más que cualquier otra persona a la evolución de la comedia musical norteamericana. Colaboró con Jerome Kern.
Obra destacada: Letras para comedias y operetas: Sunny (1924), Rose Marie (1924), The Desert Song (1926), Showboat (1927), Very Warm for May (1939, musical que contiene la canción: «All the things you are», compuesta junto a Jerome Kern y convertida en uno de los grandes standars de jazz).
George Gershwin
1898-1937. Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío. Su nombre auténtico es Jacob Gershovitz. Sus grandes referentes fueron los también judíos: Irving Berlín y Jerome Kern, los reyes de Broadway de la época, aunque pronto Gershwin los superaría en popularidad.
Obra destacada: Rhapsody in blue (1924, para piano y orquesta, donde se sintetizan elementos clásicos y del jazz), Un americano en París (Para orquesta sinfónica. Escrita durante su estancia en París, donde Ravel se negó a darle clase, diciéndole que su trabajo era auténtico y representativo de la naciente cultura musical norteamericana), Porgy and Bess (1935, la ópera estadounidense por antonomasia, retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos. Su aria «Summertime», se convirtió pronto en un estándar de jazz, además de ser, junto a «Yesterday» de los Beatles, una de las canciones más cantadas y grabadas).
Aaron Copland
EEUU 1900-1990. Nacido, como su amigo Leonard Bernstein, en el seno de una familia judía de origen ruso.
Fue considerado, durante la mayor parte de cuatro décadas, el primer compositor americano. Buscó sus motivos de inspiración en el folclore estadounidense y fue el pionero de la música americana; le mostró al mundo cómo escribir la música clásica en un estilo americano. En la década de 1920 escribió piezas con el sabor del jazz. En 1950 ganó el Oscar con la música del filme La Heredera (1949).
Obra destacada: Sinfonía para órgano y orquesta (1925), Billy the Kid (1939, ballet), Fanfarria para el hombre común (1942, ballet), Rodeo (1942, ballet), Appalachian Spring (Ganadora de un Premio Pulitzer en 1945), Concierto para clarinete (1948, compuesto para Benny Goodman. Con reminiscencias del jazz), Connotations (1962, utiliza el método dodecafónico. Encargada para la inauguración del Lincoln Center de Nueva York).
Maxime Jacob
Francia, 1906-1977. En 1929, influenciado por Jacques Maritain, se convirtió al catolicismo; desde entonces, también fue conocido como Dom Clément Jacob. Discípulo de Milhaud y luego miembro de la Escuela d´Arcueil, Francia, bajo la tutela de Erik Satie.
Obras destacadas: Les psaumes pour tous les temps (1966), Six poèmes et Cartes Postales (sobre textos del poeta francés Jean Cocteau).
Benny Goodman
Chicago 1909 Nueva York 1986. Nacido en una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Nombre auténtico: Benjamin David Goodman. Empieza a estudiar música en la Sinagoga «Kehilat Jacob», formando parte de su orquesta juvenil.
Clarinetista y director de jazz estadounidense. Fue el iniciador de la llamada «era del swing» y era conocido como «el rey del swing». Es, junto a Glenn Miller y Count Basie, el máximo representante de este estilo jazzístico.
En 1939 se incorpora a su banda el joven guitarrista Charlie Christian (pionero de la guitarra de jazz).
Obra destacada: Sing, sing, sing (with a swing) (empleada en múltiples bandas sonoras, obras de teatro y musicales, y una de las canciones destacadas entre las mejores canciones por los Grammy), He´s not worth your tears (1931), Riffin´ the Scotch (1934, cantada por Billie Holiday).
György Ligeti
Hungría 1923 Viena, Austria 2006. Su padre y su hermano murieron en campos de concentración nazis, su madre sobrevivió. Probablemente, él hubiera seguido el mismo destino de no haber sido reclutado para trabajos de logística para la armada húngara en enero de 1944.
Con Béla Bartók, se dedicó al estudio del folclore de su tierra natal (Transilvania). El director de cine Stanley Kubrick usó su música en 2001: Una odisea en el espacio, El Resplandor y Eyes Wide Shut.
Obra destacada: Glissandi (1957, música electrónica), Artikulation (1958, música electrónica), Atmosphères (1961, para gran orquesta sinfónica, pieza clave en su producción y contiene muchos de los recursos que exploró en los años 1960, como los clústers, además de acuñar el término de micropolifonía), Poéma sinfónico para 100 metrónomos (1962), Lontano (1967), Le Grand Macabre (ópera de 1978).
Leonard Bernstein
EEUU 1918-1990. Nacido en una familia judía procedente de Ucrania.
Primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial y el más conocido probablemente por el público norteamericano al dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York y sus «Conciertos para Jóvenes» en la televisión de los años 60 del siglo XX (el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: de 1958 a 1972).
En el Curtis Institute de Philadelphia, recibió la única calificación de Sobresaliente que Fritz Reiner concedió en sus clases de dirección.
En 1967 dirigió un concierto en el Monte Scopus para conmemorar la reunificación de Jerusalén. Fue un frecuente director invitado en la Orquesta Filarmónica de Israel y numerario de la de Viena.
Obra destacada: Candide (1956, opera), West Side Story (1957, musical), Chichester Psalms (1965).
Darius Milhaud
Aix-en-Provence (Francia) 1892- Ginebra (Suiza) 1974.
Discípulo de Paul Dukas y Vincent D´Indy en el Conservatorio de París. Miembro del grupo de «Lex Six», junto a Honegger, Poulenc, Auric, Durey y Tailleferre, bajo la protección de Jean Cocteau y Erik Satie. Su obra se caracteriza por el uso de la politonalidad (varias tonalidades simultáneas) y de patrones melódicos y rítmicos derivados del jazz.
Entre 1916 y 1918 reside en Brasil, de ahí surgirán algunas composiciones con acento brasileño. Huyendo de la ocupación nazi, en 1940 viaja a los Estados Unidos, donde permanecerá hasta 1947, siendo profesor de música en el Mills College de Oakland California. A partir de ahí fue profesor honorario de composición en el Conservatorio de París, donde tuvo como discípulo a Karlheinz Stockhausen.
Obra destacada: Poemas judíos (Poèmes juifs, 1916), Saudades du Brazil op. 67 (1916-18), El buey sobre el tejado (1920, ballet), La creación del mundo (1923, ballet), Cristóbal Colón (1930, ópera), Suite Provenzal (1937, pieza orquestal).
Karlheinz Stockhausen
Alemania 1928-2007. Pionero de la música electrónica, es considerado uno de los personajes más importantes en el desarrollo de la música experimental desde mediados de los años 50 del siglo XX. El universo sonoro de las obras de Stockhausen, inspirado en el budismo zen, mezcla voces humanas, ruidos y sintetizadores. En 1952, junto al francés Pierre Boulez, fue alumno del también francés Olivier Mesiaen, familiarizándose así con el serialismo integral que ambos alumnos luego desarrollarían, influidos por la música de Webern.
Obra destacada: Gruppen (1955-57, para tres orquestas), Zyklus (1961, para percusión: escrita de tal manera que la interpretación puede empezar en cualquier página y puede ser leída boca abajo o de derecha a izquierda. En la década de 1950 experimentaba con la indeterminación uso del azar y de la improvisación-), Mantra (1970, para dos pianos, cuyos sonidos están modulados por moduladores de sonido). Stimmung (1986, para seis voces). Esto es sólo una muestra de lo que la Historia de la Música Occidental le debe al pueblo judío, ya que incluso el mismo Canto Gregoriano de la Iglesia Cristiana, le debe su existencia al canto judío anterior.
Vladimir Samoylovich Horowitz (ruso Владимир Самойлович Горовиц, Vladimir Samojlovič Gorovits.) (1 de octubre de 1903 – 5 de noviembre de 1989) fue un pianista clásico ruso. En su momento fue considerado uno de los pianistas más distinguidos de cualquier época. Su técnica legendaria destacó por la excitación emocional y su riqueza tonal. Aunque algunos críticos resaltaron su tendencia manierista y la exagerada teatralización de sus interpretaciones, sus numerosos y apasionados seguidores lo han considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX.
Horowitz: enseñaba piano y la lengua judía
http://www.youtube.com/watch?v=OYG-Q-TlC8E Chopin Piano Sonata No. 2
http://www.youtube.com/watch?v=e8PJsjO1u5w Mazurka
EL BLOG DEL APOLOGISTA CRISTIANO/ INGº. MARIO OLCESE SANGUINETI (LIMA/PERÚ) 
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